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Período Barroco: Pecularidades da Música e da Arte

Introdução

Essas notícias diárias fornecerão evidências de que o período barroco representa belas artes caras e altamente detalhadas e extravagantes do período que data de aproximadamente 1600 – 1750. O artigo também mostrará a conexão entre os aspectos de design do Belas artes visuais extraordinárias e música extraordinária.

O autor e poeta espanhol Juan Goytisolo, em seu artigo “Problemas entre ma novella”, escreveu: “Um artista moderno pode usar os estudos de todas as épocas e modelos, desde as muitas expressões ficcionais primitivas até as mais refinadas. produtos barrocos “(Goytisolo, 1990). Leve e sombrio, divino e humano, caótico e gentil, religioso e sofisticado se tornaram as principais características das artes barrocas. Obras de arte e composições de áudio da época são manifestações com essa turbulência: sua disposição brilhante, psicológica, teatral e energética são caracterizadas simplesmente por movimentos expressivos e intensos (Charles, 2009). Artistas musicais como Gianlorenzo Bernini, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Caravaggio, Vermeer, Bach, Vivaldi, Monteverdi, Purcell e Handle inventaram o estilo barroco inimitável, ilustraram pensamentos intensos e desenvolveram personagens que parecem estar, geralmente atraentes para os sentimentos do público. Músicos, escultores e pintores começaram a ficar fascinados com o conceito de criar uma ilusão total de obras de arte vivas. Eles usaram seus conhecimentos, sentimentos e emoções para expandir o potencial dramático da luz, cor, som, espaço e contrastes, para criar um globo barroco e simultaneamente emocional, lógico e natural que continua a ser governado por simplesmente uma palma invisível de Deus.

Fundo histórico barroco

O Extraordinário era intrincado e contraditório. Muitas disciplinas ambivalentes foram criadas para a Casa de culto e a monarquia. A era barroca foi obviamente um período emocionante de pesquisa científica, aumento da educação e novas descobertas. No sul, a Europa extremamente católica foi afetada pelas consequências da Reforma do Contra-Alto. Geralmente a Alta Europa protestante foi caracterizada pelo desenvolvimento do capitalismo. O século XVII foi o período inquieto de brigas constantes em toda a Europa, como resultado da Reforma da Casa de Culto Católica. Com a pretensiosa prosperidade dos monarcas e o aumento da grosseria do sacerdócio em algumas partes da Europa e o crescente capitalismo, o espiritual, o sensual e o científico e lógico juntos o período barroco foram uma era de confrontos notáveis ​​(CMS, 2002).

Origem na Era Barroca

O período barroco foi um período de crescente emocionalidade, secularização e naturalidade. Esse tipo de fenômeno pode ser observado em inúmeras obras de arte e composições que se referiam ao final do século XVI. Na arte visual, por exemplo, “Festa na Casa de Levi”, pintada por Paolo Veronese em 1573, no início a pintura foi desenvolvida pelo designer e colorida para a ordem dominicana como cena do último jantar. No entanto, Paolo Veronese foi perseguido pela inquisição católica destinada a representar os plebeus irrelevantes, alemães bêbados, bufões e cães e outras perseguições. Portanto, Veronese foi forçado a substituir o nome da pintura. Mesmo assim, um nível rápido, agitado e secular de sensibilidade da paisagem demonstrou algo mais extraordinário do que maneirista (o movimento de belas artes peculiar para a época) (Gombrich, 1995).

Na música, um exemplo de crescente secularidade, naturalidade e emocionalidade foi o “Eurídice”, composto por Jacopo Peri (compositor e cantor muito influente da época) e Giulio Caccini. É realmente óbvio para os contemporâneos de hoje que a música deve apelar às emoções, no entanto, antes da Era Extraordinária, a principal preocupação dos músicos era a montagem melódica, certamente não as emoções do ouvinte. Em 1580, o Camerata Bardi, todos juntos, determinou que, para evocar emoções, apenas um tom deveria ser áudio de cada vez; portanto, a música foi inventada (uma voz emocional cantada acompanhada de simples acordes adequados). O “Euridice” é o mais antigo explorador de internet publicado, e seu alívio em 1600 celebra um nível de época na história ocidental, incluindo o início da era barroca (Germain, 1998).

Barroco precoce

A língua grega antiga e as disciplinas clássicas romanas tornaram-se extremamente populares durante o Renascência e dormiram populares durante o período barroco, de modo que artistas e artistas da música continuaram criando suas obras de arte guiadas pelos motivos da mitologia grega.

“L’Orfeo” (1607), de Claudio Monteverdi, não é apenas o primeiro safari que esse indivíduo compôs, mas também a primeira “ópera real” amplamente reconhecida. A trágica história de Orfeu e Eurídice atraiu muitos compositores.Embora a trama permaneça a mesma, a configuração e o desempenho foram alterados. Por exemplo, Eurídice de Peri e Orfeo de Monteverdi possuem apenas um motivo muito apreciado, mas as formas de realização da história são completamente diferentes. Monteverdi está usando nesta síntese, isto é, proveniente de todos os tipos musicais e dispositivos significativos acessíveis a ele naquele momento. Durante o curso da ópera, você encontrará madrigais, solos emocionais (novo movimento da era barroca de crescente popularidade) e bem conhecidos naquele tempo acariciando a dança. Monteverdi pede um conjunto instrumental que consiste em quarenta e cinco instrumentos, embora o Eurydice de Peri tenha sido criado apenas para cinco instrumentos. Um dos mais fascinantes recitativos melodicamente e dramaticamente fortes (Orfeu chora) já escritos antes, ou talvez desde que seja definitivamente aplicado aqui. Devido à nova técnica de cantar solitário emocional, o público sente o desespero de Orfeu em todas as fibras de seu ser (Charles, 2009). A ópera de Monteverdi, L’Orfeo, é associada por suas emoções a “Orfeu dentro do submundo” (1594), pintado pelo designer flamengo Jan the Elder Brueghel (1568-1625). Por Brueghel mostra Orfeu no submundo. Essa pintura continua tendo características de maneirismo, mas a postura ultrajante e adorável de animais subterrâneos é realmente verdadeiramente natural e absolutamente apropriada aqui. Além disso, aplicando magistralmente a luz, a escuridão e as áreas escuras, Brueghel certamente poderia representar o horror e o drama, motivo pelo qual Orfeu dificilmente resistiu à tentação de garantir que Eurídice o seguisse. A cena mais sombria representa pessoas escravizadas e torturadas, muitos répteis em toda a fórmula representam o mal, o equívoco e a morte. O Orfeu que leva a lira a Hades e Perséfone, e o lago que ilumina representa a única conexão com a vida. Brueghel contrasta as cores sólidas das qualificações escuras com o submundo, com Orfeu, Hades e Perséfone, que serão retratados dentro dos tons pastel (Sartorious, 2012).

Caravaggio and Handle

O motivo de naturalismo extremo e a unificação de temas religiosos e seculares eram uma característica adicional do tempo barroco. O artista espanhol Caravaggio criou um novo “naturalismo” na história das habilidades. Caravaggio pintou histórias baseadas na fé, desde visões cotidianas com pessoas da história plebéia, ele descreveu suas roupas pobres e sujas. Sua invenção do tenebrismo, ou o uso hábil de luz, áreas escuras e trevas foi seguida por outros artistas proeminentes. Em seu “Judith DecapitatingHolofernes”, um intenso raio de sol causa um impacto na interrupção do tempo quando a espada de Judith penetra no pescoço do general. Esse tipo de uso da luz enfatiza o horror do momento e demonstra o naturalismo, uma característica principal do estilo artístico único de Caravaggio. Caravaggio enfatiza a melancolia da cena, olhando para tornar o fundo tão escuro, que é impossível ver detalhes, exceto a ação principal que mais uma vez reforça a influência dramática. Judith de Caravaggio não gosta muito de sua ação, ela praticamente simpatiza com a dor dele. O sangue vermelho do pescoço do general pode ser perfeitamente sublinhado pelas cortinas vermelhas acima dele. Há uma comparação notável entre o acordo de Judith e a da velha senhora com expressões. A velha senhora basicamente deseja estar no lugar de Judith, a senhora odeia o típico e não parece tristeza. No entanto, Caravaggio é dedicado a seus princípios e concentra o interesse do público nas roupas do século XVII, parece que ele contrapõe os fatores comuns ao evento bíblico (Marceau, 1995).

George Frederic Handel combinou entretenimento secular e textos sagrados, o que não era adequado na época. Baseado em mensagens de texto bíblicas, o “Messias” de Handel era uma função musical estendida como o safari, e para a época era uma decisão controversa. Para evitar problemas com o clero, ele havia sido realizado sem figurinos ou cenários, assim como os artistas não tiveram papéis específicos. A cena “a anunciação aos pastores” Handel registrou o Evangelho de Lucas: “Havia pastores permanecendo durante uma chamada, vigiando seus rebanhos à noite” (Evangelho de Lucas, 1741). Esta expressão é “secco”, notavelmente complementada pela constante. É só soprano e é recitativo. O Wirtschaft enfatiza linhas por coloraturas estendidas. Ele usa antecedentes instrumentais igualmente homofônicos e polifônicos para compartilhar a circunstância do texto da maneira correta. Os tímpanos focam no movimento de fechamento Componente II, Aleluia. Handel usou quatro tons de partes vocais, baixo largemouth, tenor, voz e enorme nos movimentos corais. Durante o Aleluia, o Manage usa melisma, excesso múltiplo da palavra “Aleluia”. Esse indivíduo também aplica o cantus firmus em registros repetitivos extensos para sublinhar a majestade e a grandeza da cena (Sartorius, 2012).

Gentileschi e Purcell

Explicações de fatalidade e desastre foram mais uma característica do período barroco. Artemisia Gentileschi (1593 – 1653) foi influenciada pelo naturalismo de Caravaggio e pelo notável uso do tenebrismo. Em sua pintura “Judith DecapitatingHolofernes”, a garota e Caravaggio usam a escuridão geral para causar um impacto dramático. O pavor da paisagem enfatizava através do sangue que flui pela garganta do general e pelos lençóis manchados de sangue. Gentileschi descreve sua mulher que está cometendo o homicídio com uma impressão de autoconfiança e resolução, que não eram típicas do conceito clássico de personalidade feminina da época. Alguns detalhes históricos indicaram que Artemísia foi estuprada, portanto, talvez por motivo de sua imagem de Judith ser estimulada com força física de uma maneira que permita ao grupo sentir seu brilho nessa situação concreta. A menina não desfruta nem anseia por suas ações, ela simplesmente executa seu dever (Schaeffer, 2012).

Na atmosfera de Holly Purcell que Dido se apresenta no “Dido e Aeneas” com precisão antes de seu suicídio, o grupo ouve repetidamente a linha de base descer, o ícone musical da indústria para a perda de vidas. Além disso, como o material melódico é menor, a impressão é definitivamente reforçada pela clara semelhança com a marcha memorial que enfatiza o ritmo da ária. Os efeitos emocionais são tão profundos que o desespero, o desconforto e a tristeza de Dido levam o grupo às lágrimas (Sartorius, 2012).

Rembrandt e Vivaldi

Os governantes dos países da Europa queriam que essas obras de arte glamourizassem seu próprio reinado. Portanto, os maiores artistas barrocos foram contratados para desenvolver obras que glorificassem o poder de seus clientes. Rembrandt van Rijn (1606 1669) foi um pintor extremamente popular. Ele era especificamente famoso por seus retratos, mas também pintou muitas paisagens, momentos religiosos e seculares, onde retratou duas e até mais pessoas. No “The Evening Watch”, os guardas e oficiais desfrutam de uma visita de Nancy de Médici a Amsterdã em 1638. “The Nighttime Watch” não é apenas natural, mas também é preenchido com a vivacidade e o dinamismo que são incomuns para uma empresa que está ansioso por um evento popular. Os diversos associados da reunião são exibidos ocupados se organizando. Rembrandt fez uso hábil de tenebrismo, claro-escuro e lâmpadas intensas e dramáticas para despertar, estimular seu trabalho de arte (Charles, 2009).

Os concertos de Antonio Vivaldi (1678-1741) (“The Four Seasons”, “Pleasure”, “The Hunt and Storm at Sea”) foram extremamente eficazes, especialmente em Portugal. A “Primavera” era um favorito constante do governante francês Luís XV, que a ouvia repetidamente e pedia à orquestra que realizasse essa obra-prima para ele quase todos os dias. Por esse motivo, Vivaldi estava obtendo várias comissões do tribunal de Versalhes destinadas à criação de um novo arranjo (Schaeffer, 2012).

Bach e Rubens

O Grande Povo do compositor e escritor francês Pierre Schaeffer quando disse: “Você se impressionou com o fato de que a música que é considerada a mais sublime do mundo ocidental, que é a música de Bach, é chamada barroca” (Schaeffer, 2012 ) Johann Sebastian Bach e Peter Paul Rubens são os verdadeiros representantes da Barqueera. Suas obras de arte exuberantes e criativas passaram a simbolizar as variações extremas e conflitantes que caracterizavam o período histórico conhecido como barroco. Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) criou mais de 1100 arranjos. Existem trabalhos para palavras, órgão, cravo, diferentes instrumentos solo, arme e outros. Philip Paul Rubens (1577-1640) criou cerca de duas mil artes em sua vida, suas obras de arte retratavam momentos espirituais, clássicos (mitologia grega e romana) e seculares. O barroco teve sucesso na Flandres, sustentou Peter Rubens (Charles, 2009).

Conclusão

A ampliação de estilo extraordinário reflete seu período de tempo. Quando a ciência descobriu coisas novas e Galileu publicou sua teoria heliocêntrica, as pessoas se tornaram cada vez menos dedicadas a Deus. Conseqüentemente, a arte estava ficando muito menos religiosa por contexto. Por exemplo, Jan Vermeer criou uma obra de arte “O Geógrafo” que retrata um cientista. Outras obras de arte retratavam auto-retratos (Rembrandt), tropas ou cenas de alta qualidade. O design grego permaneceu popular, muitos artistas e músicos continuam criando composições com heróis mitológicos. No entanto, alguns artistas continuaram a criar obras de arte e composições religiosas como “The Raising in the Cross” simplesmente de Rubens e “Hosanna” de Bach, a bem conhecida estatueta “The Euphoria of St Teresa” de Bernini. Escultores barrocos, em geral, pintores e músicos queriam maneiras de refletir suas próprias emoções e sentimentos em vários movimentos e artifícios.Tal barroco destacado como drama de grandeza, safari, pomposidade, energia, ação, tensão, extravagância, exuberância apagou a distinção entre seus diferentes tipos de obras de arte. O Estilo Extraordinário foi caracterizado por contrastes intensos e ornamentação ousada que agregaram drama e ação à arte.

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