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George Sugarman: um ensaio sobre estatuetas

Profusão policromática, escultor George Sugarman, Fine Disciplines Building, Nova York, Nova York BYLINE: RUBINSTEIN, RAPHAEL Mais conhecido hoje por suas obras públicas, George Sugarman começou sua carreira com esculturas de madeira pintada formalmente não convencionais. Em uma exibição reveladora de Nova York, as primeiras peças foram demonstradas ao lado dos designers de 86 anos, trabalho de alumínio leve mais recente.

Durante 1998, houve várias exposições importantes de esculturas nas galerias e museus da cidade de Nova York, como a retrospectiva do Museu de Artes Tony Smith, a apresentação de Dias das reticências Rich Serras Torqued e um grupo de aço pintado de David Smith vencido trabalha na Galeria Gagosian. Para mim, no entanto, o espetáculo écharpe mais impressionante e instigante do ano foi uma pesquisa direta do trabalho de George Sugarmans mostrado pelo Hunter College nas galerias do Edifício de Belas Artes da Avenida 41 de Manhattans West.

Reunindo dezesseis esculturas construídas entre 1958 e 95, o evento permitiu que os espectadores seguissem a carreira de Sugarmans, desde suas obras em madeira entalhada do final da década de 1950 até seus componentes de madeira laminada policromada da década de 1960 até a obra de alumínio pintado. o ocupa desde o início dos anos 70. Embora o programa não cubra a extensa atividade de Sugarmans no domínio da arte pública nos últimos 30 anos, ele criou esculturas públicas em larga escala nos Estados Unidos na Europa e na Ásia; foi uma exibição eficaz de seu trabalho interno.

O Sugarman apresenta uma distinção útil entre o que esse indivíduo chama de visão interna, uma perspectiva estética orientada para museus e galerias que percebe a obra de arte isoladamente do ambiente e o olho externo, que permite a todos nós veja a arte da comunidade como parte de um ambiente maior. Graças à presença de obras importantes e raramente vistas, como a Two in One, de 1966 e 10 de 1968, a mostra foi obviamente um lembrete bem-vindo da contribuição única e indispensável de Sugarmans à escultura do pós-guerra.

Um dos primeiros ideais de exibição foi o Six Variety in Pine 1959, uma estatueta de madeira esculpida que ajudou a trazer Sugarman seu primeiro grande reconhecimento, a fim de ganhar um prêmio com a Carnegie International de 1961. Entre a lista dos últimos trabalhos não pintados, há uma concatenação de formas nebulosas horizontais de quase 12 pés de comprimento, que se apoia em dois pedestais, separados por vários metros. Padrões ondulantes de cinzel representam são visíveis em quase todas as superfícies semelhantes aos estratos da madeira laminada.

Os formulários, que variam de formas suavemente inchadas e semelhantes a paisagens, a volumes mais nitidamente identificados que evocam estruturas ou ferramentas manuais, são claramente diferenciados na estrutura geral em andamento. Enquanto a técnica de escultura e o biomorfismo associam o Six Varieties in Pine a tipos esculturais comprovados da década de 1950, o écharpe também possui propriedades que pressagiam a função inovadora da Sugarmans na próxima década.

O formato de base dupla, onde a escultura parece estar saindo do básico, antecipa sua subsequente eliminação do basamento, e a veemente horizontalidade da escultura pode ser descrita como um movimento em direção às estruturas prolongadas do trabalho dos artistas dos anos sessenta. O período seguinte de Sugarmans foi exibido por três trabalhos: Verde e Avermelhado 1961, Segundo Vermelho e Azul 62 e Três Formas sobre um Pólo 62.

Como sugerem os títulos das duas primeiras esculturas, a cor é um componente importante dessas obras. As esculturas também mostram a remoção rápida de Sugarmans de áreas certamente esculpidas à mão. Medindo 3 1/2 pés de altura e 5 pés de comprimento, o Green and Crimson é uma peça de madeira entalhada aberta que combina verticais geométricas com um aumento de formas orgânicas em consola, todas revestidas com as principais cores. O segundo azul e vermelho, um trabalho de pedestal de tamanho modesto, depende de cores semelhantes, mas leva uma maneira composicional completamente diferente.

Balanceado em cima de uma grande forma vermelha que sugere um torso dobrado, é um elemento azul horizontal feito de pedaços de madeira lisos e irregulares que foram pressionados em conjunto para criar uma espécie de sanduíche escultural de lado. Com poucos, no caso de existir algum precedente na história da escultura, esse elemento azul de brincadeira original por si só, bem como em relação à forma carmesim, anuncia o presente de Sugarmans para encontrar novos tipos de sintaxe escultural. Quando o evento Hunter retoma a história, em 1966, a temporada Sugarman construiu uma das obras mais impressionantes de seu trabalho, Two in One.

À primeira vista, essa escultura, que recebeu uma galeria para si mesma, parece que deveria ser chamada de Dezenove em Um, pois certamente não consiste em duas, mas em 19 formas diferentes de madeira pintada, dispostas em um desenvolvimento V estreito, de 24 pés de comprimento.No auge do V, há uma forma geométrica roxa escura, que abraça o chão, que se parece com uma escultura autônoma derrubada por simplesmente um transeunte imprudente. As 2 linhas de formulários que se ramificam dessa pedra angular compactada são tão numerosas e diversas quanto o conteúdo de qualquer pacote de gadgets para crianças.

O esquema de cores pode mover-se, no espaço de quatro elementos, de verde descolorido para roxo cobalto, para escuro e azul-cerúleo, mas, a fim de parecer que o sistema Sugarmans deve dar a cada parte uma cor diferente, você percebe uma sequência de 3 estilos adjacentes pintados de amarelo brilhante. As formas e tamanhos dos elementos são ainda mais diferentes do que suas próprias cores. Sugarman justapõe formas de som e elevação a outras cantileveradas ou talvez atenuadas; esse indivíduo cria volumes internos simplesmente por gabinetes orgânicos e naturais e geométricos; as formas de massa única desmoronam em estruturas semelhantes a redes, uma forma na altura dos joelhos é dominada por uma torre imponente. presença de pé.

Algumas das partes individuais são elas mesmas variadas, como uma peça de sena crua e baixa, perto da passagem das duas fileiras, que por sua vez combina uma figura ajoelhada altamente abstrata, um feixe de luz em consola e um plano vertical. parece uma ferramenta de corte de limpa-neves que parece estar empurrando todas as outras esculturas antes dela. Essa verdadeira enciclopédia de possibilidades esculturais parece preocupada em desafiar toda a continuidade formal, mas como você se move sobre o Two in One, organizado para oferecer uma gama praticamente inexaurível de pontos de vista, os relacionamentos que envolvem as várias peças começam a parecer não tão puramente aleatórios.

Uma grande forma angular, construtivista e uma forma biomórfica compartilham quantidades internas idênticas, as bordas de uma rima baixa tipo dente de serra visualmente com uma grande forma de ampulheta que paira próximo a ela, os intervalos de sortimento se repetem em vários elementos, os irregulares A natureza da forma dos dois galhos é bem equilibrada pela simetria bilateral estável de cada peça específica. Simultaneamente, esse indivíduo convida o espectador a saborear esse desfile inovador e quase carnavalesco de formas, Sugarman também oferece várias ocasiões para participar de sua lógica imaginativa incomum, para descobrir como uma determinada forma se traduz secretamente na próxima.

No ano seguinte ao Two, em um único simpósio da Art in America, nos anos sessenta, Sugarman explicou suas cadeias heterogêneas devido ao resultado de um processo conectivo no qual a primeira forma é a segunda, a outra forma, a terceira, etc. 1 Essa qualidade geradora foi adquirida pela falecida Amy Goldin, uma das Sugarmans, a maioria dos críticos perceptivos. Em 69, Goldin recomendou que o público de Sugarmans não se deixasse enganar pela alegria de sua cor ou pela sinceridade de sua forma. Em vez de se encantar com esses aspectos, era necessário solicitar onde o item da escultura começa e termina.

Insista em saber por que isso realmente é verde, embora seja amarelo. Por que os segmentos definirão essa distância como parte, nem limitados nem espaçados mais amplamente. two Confrontados com trabalhos complicados, como Two in one single ou Inscape 1964, outra peça de piso multicolorida e multipartes, os telespectadores podem achar difícil a orientação de Goldins, mas continua sendo um dos melhores conselhos para apreciar os meandros formais do trabalho da Sugarmans . Outra dica útil pode estar no título da escultura Sugarman, uma que se destina a Ornette Coleman 1961.

Como o inovador punk gratuito, cuja música incentivou vários artistas de síntese no início dos anos 60, Sugarman nos desafia a compreender a estrutura real de trabalhos aparentemente disjuntivos. A presença de Hunter of Two em um single, oferecendo a chance de compará-lo com as Seis Variedades anteriores em Pinus radiata, foi um lembrete da enorme quantidade de superfície estética que Sugarman cobria na metade inicial da década de 1960. Este foi um relâmpago quando a estátua desconsiderou muitas práticas, novas e antigas, o mais importante foi a fundação literal das esculturas.

Há algum argumento sobre quem foi o artista inicial a dispensar enquanto usava o pedestal; no entanto, certamente apresenta peças como Sugarmans Four Walls, Five Varieties 1961-62, uma operação de madeira pintada que cinco elementos individualmente sofisticados parecem ter colidido no chão, tinha sido instrumental. Como você observou depois: desde o início dos anos 60, a escultura desceu do seu pedestal. Alguns oferecem crédito a Anthony Cato por essa mudança, um salto mais difícil, mais notável e talvez até mais influente foi alcançado quase juntos por um grande americano ainda não reconhecido, George Sugarman.Por incrível que pareça, o curador do Seeker College demonstra, Stephen Davis, sugere que, embora a eliminação do pedestal por Sugarmans e seu uso de cores vivas tenham sido um afastamento impressionante da prática do dia, muito mais revolucionário foi o seu radical descentramento do espectadores em performances como o Two in One. 4 Por mais revolucionários que tenham sido, embora as inovações de Sugarmans também tenham lamentado sua decisão pela história da escultura, especificamente pela era extraordinária.

Isso é especialmente evidente em obras como Bardana 1962-63 e Practice Place 1964-65, um par de peças de madeira laminada policromada nas quais a seção da escultura repousa sobre um pedestal, enquanto vários outros elementos fazem movimentos caídos para baixo. o chão. Durante seus anos na Europa de 1951 a 1955, Sugarman ficou impressionado com a arquitetura e a arte extraordinárias, particularmente Berninis Cathedra Petri e o Ecstasy of St. Theresa, onde as formas esculturais saem de seus mercados arquitetônicos. Após seu retorno a Nova York, ele começou a adicionar um senso barroco de grande quantidade formal à linguagem subjetiva da arte moderna. Em 1993, Sugarman lembrou suas questões artísticas do final dos anos 1950 e início dos anos 1960 e como elas o levaram a fazer esculturas que deixaram o pedestal e incorporaram estilos imensamente diferentes: o espaço me atraiu. Por que a maioria das esculturas usava um espaço vertical e figura, apesar de ter formas abstratas? Eu apareci ao redor. Objetos e vida rastejavam e se espalhavam em um gramado. Você teve que se curvar para ver todos eles corretamente.

O corpo tinha um relacionamento distinto com eles. Alguns pontos subiram, abraçando outras atividades de apoio. Outros amarraram acima de sua mente. Os objetos foram quebrados, porém permaneceram constantes. Algumas formas muito diferentes umas das outras foram adjacentes, mas formaram uma imagem coerente. O espaço era usado de todas as formas imagináveis. Era ativo, tinha sido como se se adaptasse às exigências do mundo, que sua posição não era meramente passiva. 6 De maneira intermitente, nos anos 1960 e ainda mais intensamente, a partir de 1970, a exploração do espaço eficaz pela Sugarmans assumiu a forma de esculturas públicas ao ar livre.

Embora, já conhecida, a exposição Seeker tenha perdido essa parte do trabalho da Sugarmans, o presente incluiu Amarelo para Branco para Azul e Preto para 1967, a estátua que começou a ser a versão para a primeira comissão pública da Sugarmans, para a Empresa Xerox em Este Segundo, Califórnia. Em contraste com o Two in One, esse tipo de trabalho 4 variedades simplificadas, que identificam uma variedade de volumes interiores, fica muito distante um do outro. As peças de mais ou menos um metro e meio de altura também são vistas como Sugarmans emergindo interesse em aviões maiores e curvos.

Essa propensão a formas mais aerodinâmicas localiza sua expressão máxima em Dez 1968-69, um trabalho convincente e, de muitas maneiras incomum, que foi uma das últimas esculturas feitas por Sugarman em madeira real. Sua existência em Seeker foi especificamente bem-vinda porque o Museu de Arte recente, que por sua vez comprou o Dez em 1976, raramente o exibe. Levantando-se por vários metros em excesso e com um metro e oitenta de largura, estendendo-se para quase 12 1/2 dedos de comprimento, Ten inicialmente se apresenta como uma forma de cor branca única, fechada, com contornos eficientes, aparecendo no espaço como uma leve iglu. Rapidamente, no entanto, a dependência de partes separadas se torna óbvia.

Como sutilmente nos diz, a estátua é composta por 10 variedades distintas, de outra maneira configuradas que foram estabelecidas dentro de uma de cada uma. Os espaços estreitos entre essas verticais altas permitem observar o interior fisicamente inacessível. Acontece que esses tipos de lacunas são cuidadosamente situados para trazer partes leves do interior, embora outras áreas sejam deixadas na escuridão. O jogo do sol e da escuridão é ainda mais complicado pelo fato de que os fatores verticais ainda não são paredes básicas, mas que se formam como toalhas de banho penduradas em uma prateleira.

Plug-ins truncados e semelhantes a pés ao longo da parte subjacente desses elementos suportam a peça e estabelecem uma conexão formal com o solo no qual a escultura repousa. Além de sua elegante beleza técnica, o Ten também exala simbolismo altamente eficaz. Holliday T. Day, curador de Sugarmans que viaja nostálgico de 1981-82, chamou a atenção para as polaridades feminina e masculina: as três variedades estreitas de uma extremidade aconselham uma forma de contato fálico lingam, enquanto a oval na extremidade oposta é indubitavelmente egglike. Mike Davis, um artista que também trabalhou como ajudante de Sugarmans durante a produção de Oito, explicou o trabalho como algo entre um sarcófago egípcio e um ovo cósmico tântrico. quase oito O trabalho também apresenta uma circunstância paradoxal de uma estrutura de abrigo que é impossível.É um tributo à mãe natureza não-dogmática da imaginação de Sugarmans que Ten renuncie a inúmeras qualidades que caracterizaram seu trabalho nos últimos 10 anos de cores vivas, elementos incongruentes.

E é igualmente digno de nota que, após completar o Five, ele não poderia continuar lançando versões diferentes sobre o tema. Depois de uma rápida parada em 1970 para a Green and White-Spiral Spiral, uma demonstração da força-tarefa de como chegar à complexidade formal, crescendo e reposicionando um único elemento, o programa Seeker foi esquecido antes de 1987. Nos anos seguintes, Sugarman aceitou o moderado do alumínio revestido, tanto para trabalhos ao ar livre em grande escala quanto para pequenas esculturas. Pode ter sido interessante ver várias modas de maquetes Sugarman, usando um papel flexível e um composto à base de couro, para obter os trabalhos em alumínio.

No início dos anos 1970, além de criar ornamentos públicos em toda a região, Sugarman expandiu sua prática para incluir relevos nas paredes e arte acrílica. Respondendo às propriedades de seus materiais frescos, mantendo sua paixão por cores e formas anormais, ele optou por diferentes tipos de formas, construindo esculturas com fatores parecidos com folhagens e redbull. Após as austeridades da década de 1960 minimalista, seu trabalho descobriu um ambiente mais agradável do mundo da arte em meados da década de 70.

Em sua mais recente pesquisa de Belas Artes da Era Pós-moderna, Irving Sandler fala sobre o trabalho de Sugarmans, de 1972, no capítulo sobre trabalhos de Arte com Padrão e Decoração, observando como variedades profusas e cores exuberantes de seu trabalho de início de 1971 surpreenderam os jovens L & Deb artistas. ser infiel Sandler também faz a sugestão estimulante de que as obras de metal pintado da Sugarmans podem ter motivado os relevos de aço que Outspoken Stella começou a fazer em meados da década de 1970, se o antigo minimalista adotasse formas curvilíneas e muito coloridas.

As sete estátuas dos anos 80 e 90, que rodearam sua exposição no Hunter College, demonstraram que Sugarman, que também completa 87 anos este ano, continuou a evoluir artisticamente. The Hanging Men 1987, é uma estrutura independente em preto e branco que reflete coisas mecânicas como atualizações de armaduras e armas, lemes e peças de aviões. O écharpe parece rejeitar a espiritualidade sensual de Ten, que é igualmente desprovida das formas árbol lindamente proliferativas que marcam muitos dos trabalhos da comunidade Sugarmans.

Os machos pendurados das três formas negras e empilháveis, empalados em uma longarina de cor branca que se projeta nas esculturas laterais, são menos os tópicos das esculturas do que os seus súditos. Yellow Fringes 1990 mostra Sugarmans envolvimento contínuo com formas excêntricas e de imprudência. O núcleo da escultura, que pode ser instalado no alto da estrutura da parede e aconselha um amante espetado e semi-aberto, é um pacote de três vigas em preto e branco e uma aresta de dente de serra com os dentes de serra em preto e branco, outra pontuada por abas simplesmente dobradas que sobressaem em um ângulo de aproximadamente 40 graus.

Entre esses tipos de vigas e a parede encontram-se cinco formas de alumínio liso, alternadamente preto e branco, que se assemelham a meias de Natal de grandes dimensões. As cerdas externas das vigas são três formas de alumínio amarelo-claro que as franjas minimizam em padrões de cerco. Com uma imprevisibilidade formal tão grande quanto ele ser a única coisa depois de mais uma escultura no chão nos anos 60, Sugarman aqui convida os espectadores a exercitar sua visão simplesmente focando o foco em um lugar não convencional, onde a parede satisfaz o limite e, atualmente, a se envolver em batalha da retina com uma escultura que mantém suas complexidades parcialmente invisíveis.

Amarelo e branco 95 é um trabalho de alumínio com cerca de 1,5 metro de altura, composto por dois elementos: uma condição branca graciosamente distorcida ao mesmo tempo eficaz de um funil curvado sobre um navio, um megafone mais o pistilo de sua flor, e, na parte inferior, um tipo amarelo quadrado com dobras anormais e cantos recortados. Sugarman trabalha contra as expectativas, simplesmente colocando o tipo de pétala mais brilhantemente colorido no chão, em vez de no topo da forma clara de haste. Ele também cria um trabalho que, com suas bordas afinadas, aviões com torque e valores abertos e fechados, oferece ao espectador móvel um conjunto igualmente de relações formais por telefone.

Na introdução do catálogo que acompanhou a mostra Hunter, o curador do Museu de Arte Robert Storr sugere que existe uma ressonância entre a obra de Sugarmans e a de escultores mais jovens, como Polly Apfelbaum, Charles Long e Peter Soriano. Concordo com Storr ao ver uma afinidade entre o trabalho deles e Sugarmans, particularmente suas esculturas de madeira pintada de 1963-67, e só acrescentaria à sua lista mais três escultores americanos: Jeanne Silverthorne, Jessica Stockholder e Daniel Wiener.

Uma qualidade do trabalho de Sugarmans que vincula isso à écharpe dos artistas da música de 40 anos ou mais, é o fato de, no início dos anos 60, ter rejeitado a noção de troth em componentes, obscurecendo alegremente as propriedades naturais da madeira que esse indivíduo possui. usado com demãos repetidas de tinta acrílica fresca. Outra é definitivamente sua predileção influenciada pelo barroco por formas mais longas que realizam excursões desobedientes usando suas bases. 10 Dado esse tipo de afinidade com artistas mais jovens, é surpreendente que o desempenho de Sugarmans não seja amplamente conhecido e que tenha sido deixado exclusivamente para a Hunter College ou a universidade, em vez de um grande museu americano, para oferecer esse tipo de pesquisa.

Sem dúvida, Sugarmans há muito tempo se concentra na arte do público em geral, e não na galeria de fotos e no trabalho da galeria de arte. Além do desempenho, eu temo, é a profunda indiferença comprovada por faixas significativas do mundo da arte para o tipo de inventividade formal e reflexão visual sofisticada em que a arte de Sugarmans se baseia. Só espero que os estudantes de arte que compuseram uma parcela significativa da platéia desta exposição tenham identificado algumas de suas suposições do final do século sobre a arte desafiadas pela alta ordem do advento visual disponível.

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